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Michel Camilo: Mano a mano

Portada del disco de Camilo

 

Pincha este enlace y oye a Michel Camilo en su nuevo trabajo http://www.youtube.com/watch?v=li3Gs5J0NcM

El pianista y compositor, Michel Camilo compuso su primer tema a los cinco años, a los 16 años  se hace miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Republica Dominicana. Intenta ampliar sus horizontes musicales y se traslada en 1979 a NYC, donde continua sus estudios. No tardaron en llegar los primeros éxitos. A partir de aquí las grabaciones y las giras se suceden, Los años noventa suponen para Michel Camilo el espaldarazo definitivo en su carrera consolidándose como uno de los grandes músicos de jazz contemporáneo. En 1993 su disco “Rendezvous” obtuvo un éxito extraordinario; en 1996 cruzó el charco y actúa en Dinamarca  en el marco de un festival organizado para celebrar la capitalidad europea de Copenhage. Aquel mismo año, visita Israel, España, y Suiza. En 1998 le contratan como Director del primer Festival Latino y del Caribe, que se celebra en NYC. Al año siguiente actua en Cleveland con el pianista cubano Chucho Valdés.  En España es conocido por las grabaciones que realiza con el guitarrista Tomatito de “Spain” y “Spain Again”, además porque aparece como protagonista en la película dirigida por Fernando Trueba, “Calle 54”  homenaje cinematográfico a la historia y a la cultura del jazz latino, lo que hace que consolide en Europa.

Michel Camilo nos brinda una nueva grabación “Mano a mano” que supone un regreso a sus inicios dentro del jazz, volviendo a tocar en trío, y además realizando cambios importantes ya que sustituye la batería por la percusión que deja en manos de Giovanni Hidalgo. Camilo es un excelente pianista que mezcla con habilidad los ritmos caribeños con el jazz con una brillante técnica, lo mismo utiliza ritmos caribeños que se adentra en el mundo de la música clásica, no es difícil escucharle tocando ‘Rhapsody  in Blue’ y  el ‘Concierto para Piano’ de George Gershwin,  el ‘Concierto para Piano’ de Ravel, o tocando a dúo con el gran Tomatito en un acercamiento a la música étnica. Todo ello le ha valido ganar tres Premios Grammy y haber sido nominado para otros cuatro.

Mano a mano es un disco que va en crescendo a medida que lo escuchas y que ya es sin duda uno de los grandes trabajos del

Michel Camilo

Dominicano. Saca lo mejor de los ritmos latinos como boleros y bachatas. El álbum cuenta con composiciones propias como Yes, you and me o el tema que da título al disco, también encontramos temas de Lee Morgan, Naima de John Coltrane o el clásico latino de Alfonsina y el mar. Piano, percusión y contrabajo, que combinación tan original y bonita, Giovanni Hidalgo realiza un trabajo elegante en la percusión y con el contrabajo se luce Charles Flores. El resultado final es un disco fresco, de ritmos calientes y melodías envolventes, con cambios de ritmos continuos y que resulta original por la combinación de instrumentos elegidos que traen nuevos sonidos para tus oídos.

 

Jack DeJohnette New Directions

Carátula del vinilo

Jack DeJohnette (1942) nacido en Estados Unidos, conocido dentro del jazz por ser un músico vanguardista con la batería, donde introduce nuevas formas y elementos en los ritmos, también es pianista y compositor. Forma parte en 1966 del cuarteto de John Coltrane, también ha sido miembro de la banda de Charles Lloyd, ha tocado y grabado con Jackie McLean, Herbie Hancock, Joe Henderson y Bill Evans, en 1969 se integra enla banda de Miles Davis donde permanece hasta 1972, durante esta época graba con Wayne Shorter, Chick Corea, Lee Konitz, Miroslav Vitous, Freddie Hubbard y otros muchos. Al dejar la banda de Miles Davis se acerca a músicos de muy distinto talante musical como Sonny Rollins, Stanley Turrentine, Keith jarret (con el que permanece 20 años), Cannonball Adderley y McCoy Tyner. Su dilatada carrera nos deja una también dilatada discografía  repleta de buenas grabaciones de estudio y en vivo con los mejores músicos del mundo.

Jack DeJohnette New Directions es un proyecto que nace en 1978 y que sucede a un primer proyecto denominado “Directions”,  en ésta su primera grabación dejan una obra maestra. DeJohnette con la batería y percusión, el gran John Abercrombie toca la guitarra y la mandolina, Lester Bowie da un sonido especial, mágico y acompasado a su trompeta y el sinuoso Eddie Gómez hace maravillas con el bajo, éstos cuatro músicos forman la Jack DeJohnette New Directions que durante el mes de Junio de 1978 en la ciudad de Oslo graban este magnífico vinilo para la discográfica ECM. Trompeta y guitarra alineadas con el contrabajo y la batería.  Es su segundo proyecto

Jack DeJohnette con su batería

liderando un grupo, desde entonces hasta ahora han sido muchos y exitosos los proyectos del baterista. La nueva formación recibe el beneplácito de la crítica y logra crear sonidos originales, nuevas formas de entender el diálogo de los instrumentos dentro de una conversación musical, todo ello dentro del jazz, a veces hace jazz fusión o incluso hay quien cataloga su música como new age, yo no soy de esta opinión, DeJohnette investiga, se atreve y adentra en nuevas aventuras musicales creando nuevos estilos, pero en ningún momento está fuera del jazz, muy al contrario está creando corriente, haciendo contribuciones importante en la evolución del jazz.

el álbum lo componen cuatro temas, todos de larga duración, el que menos dura 5:56 y el que más 12:27 minutos, en total cerca de 50 minutos de buena e intensa música. Álbumes como este ayudan a conocer la posterior evolución de algunas formas musicales dentro del jazz.

Elvin Jones: Remembrance

Portada del disco

   Elvin Ray Jones, conocido artísticamente como Elvin Jones (1927/2004), Estadounidense de Pontiac, sin formación musical reglada, crece en ambientes de Gospel, a mediado de los 50 se traslada a NYC donde trabaja con artistas ya consolidados como Charles Mingus, Miles Davis o Bud Powell. Se aferra en un primer momento al más puro Bop para ir definiendo con su batería y el  paso de los años  un estilo propio que marcaría el Post Bop. Hermano de los también músicos de jazz Hank Jones y Thad Jones. Su época dorada se produce junto al gran saxofonista John Coltrane con quién toca desde 1960-66, participando activamente en obras “totem” del jazz como “A love Supreme” o “Crescent”, esta etapa junto al gran maestro del saxo le marca para toda la vida, de hecho su música gira en torno a John Coltrane, a partir de aquí toca con varios grupos pequeños hasta que en 1978 crea el grupo The Elvin Jones Jazz Machine de la que nos han quedado muy buenos testimonios grabados como el álbum “Remembrance”.

     Remembrance. Recuerdo, en efecto, es una de sus primeras grabaciones con la Jazz Machine, grupo con el que estuvo más de veinte años recorriendo el mundo y ofreciendo grabaciones y conciertos, además de dar paso por la formación a una serie de nuevos y grandes artistas que tuvieron la oportunidad de comenzar su andadura jazzística con el gran batería Jones. Remembrance huele a Coltrane por todos lados, el gran saxo está presente de hecho es el homenaje que Elvin Jones realiza sobre su maestro, “Cuando tocaba Remembrance, el recuerdo de Coltrane llegaba a mi memoria con la fuerza de una gigantesca avalancha”,  el mismo Jones dice que no fue consciente de que mientras tocaba junto a John Coltrane estaba cambiando el curso de las cosas, no era consciente de que habría un antes y un después. Remembrance se graba en Stuttgart los dias 3,4 y 5 de Febrero de 1978,  pero no se edita hasta 1980. La Jazz Machine ha sido la máquina de tambores más potente de la historia del Jazz, como curiosidad indicar que esta  formación  no cuenta con piano en sus grabaciones y actuaciones. Quienes hayáis escuchada a la Jazz Machine estaréis de acuerdo en que Jones es un volcán percusivo, una leyenda de la batería que tiene reservado su lugar en el Olimpo de los grandes del Jazz. Si escuchas el primer tema de este disco no vas a poder resistir la tentación de oír el resto. Elvin Jones tiene un gran sentido del swing y una gran facilidad para con la batería crear el climax adecuado, decía una de sus críticas que “esto se debe a la facilidad que tiene de pensar en tres, constantemente aunque esté tocando en 4/4 meterá frases de 3/4”. Los otros músicos de la Jazz Machine son:

Elvin Jones:  batería

Elvin Jones maravilloso percusionista y baterista

Pat LaBarbera: Saxos tenor y soprano

Michael Stuart: Saxos tenor y soprano

Roland Price: guitarra

Andy McCloud III: contrabajo

Ingeniero de sonido: Gibbs Platten

Producido: Joachim E. Berendt

     en total el álbum cuenta con siete maravillosos y bien elaborados  temas que hacen casi una hora de grabación. Disfrútalo.

Oscar Peterson: Jazz Piano Solos

Oscar Peterson y su piano

   Oscar Peterson, Canadiense de Montreal (1925-2007) Poseedor de un estilo  formado en los años cuarenta como sus coetáneos los pianistas  Erroll Garner y George Shearing, su estilo musical es anterior al bop, al que tarda en incorporarse sin abandonar nunca el estilo swing,  encuadrándose dentro de la tendencia académica o tradicional de jazz. Seguidor y admirador de Art Tatum, es un pianista  de una gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing,  independientemente del tempo de ejecución. Sus mejores grabaciones las realiza como solista.

Ha recibido fuertes críticas durante su carrera musical por dos motivos: por ser un virtuoso con el teclado y tener una gran profusión de notas en las interpretaciones y por otro lado por tener una actitud activa dentro del mundo de las discográficas habiendo dejado gran cantidad de grabaciones. Personalmente no entiendo ninguna de estas críticas, lo que ha dejado es un gran legado para que nos deleitemos con sus grabaciones y su virtuosismo. Se puede afirmar que Oscar Peterson era capaz de tocar cien notas cuando otros pianistas usan solo la mitad,  lo bueno es que esas notas son las correctas, las adecuadas, no sobra ninguna, lo único que hace Peterson es mostrar su técnica personal, su habilidad, su destreza cuando toca el piano, bien sólo, bien acompañado.

No es hasta finales de los años 60´s que Peterson se decide a grabar en solitario y teniendo al piano como elemento principal de la grabacion. “Jazz piano solos” es una gran obra que recorre a través del piano distintas épocas musicales que marcan su vida, así de los distintos temas que componen la obra podemos escuchar aires de Boggie-Woogie, de un exquisito y elegante Swing que bien podría ser interpretado por una Big Band y de un discreto Bop. Sus grabaciones con trío fueron cambiando a los largo de su carrera y los músicos que tocaban el contrabajo o la batería entraban y salían siempre de la formación al compás del piano de Peterson, así tocó con Louis Hayes, Boddy Durham, Ray Price, Sam Jones o George Mraz, lo que está claro es que estos tríos siempre  han sido exquisitos, discretos y brillantes. Oscar Peterson marcó una época dentro del jazz, donde recuperó innumerables piezas tradicionales del boogie, del swing y las adaptó sin perder “el tempo” a su época. En total son 10 temas para disfrutarlos.

Peterson y su gran volumen físico y como pianista

Keith Jarret: “Yesterdays”

Carátula del disco

 

Clickea este enlace para oír una pieza del Yesterdays de Jarret http://www.youtube.com/watch?v=ciZFZD8Y38w

Keith Jarret, uno de los pianistas más grandes de la historia de la música y del jazz en particular, nacido en USA en 1945. Versátil y sobretodo virtuoso con el teclado, en su carrera ha interpretado lo mismo a artistas clásicos como J.S. Bach, Haendel o Mozart, que músicos minimalistas, pero destaca en el jazz de vanguardia donde ha tocado con músicos de la talla de Miles Davis, Chíck Corea, Charlie Haden, Roland Kirk, Art Blakey o Gary Burton, entre otros muchos. En 1972 comenzó sus conciertos improvisados con The Köln Concert, que le han dado fama mundial y que sin duda, es su obra más reconocida.

Durante  los últimos treinta años Keith Jarrett es aclamado como uno de los músicos más creativos de nuestra época, reconocido universalmente como un improvisador genial.  Su proyecto más duradero es The Standards Trio junto a Gary Peacock (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería), con quienes lleva más de un cuarto de siglo actuando.  En 2009 y para el sello ECM  publica Yesterdays, que  forma una cuatrilogía con”The Out-of-Towners”, , “Always Let Me Go” y “My Foolish Heart”, ya que todos estos discos, pertenecen a la gira de 2001, grabados en el Metropolitan Festival Hall de Tokyo. Aunque hay quienes acusan a  ECM de sacar un disco de esta gira cada vez que necesita un “superventas”, sin duda estamos ante otra magnífica grabación. De lo que no hay ninguna sospecha es de que 2001 fue un año de una cosecha asombrosa para el que es considerado por algunos como  “el mejor trío del mundo”. Sólo los grandes genios son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente, el grupo de Jarrett demuestra un gran dominio del repertorio y sus directos son siempre una caja de sorpresas en la que no sabemos lo que va a pasar. Mencionar “Strollin”’,  en la que la interacción entre los tres músicos, así como el virtuosismo y la sorprendente velocidad de piano y sección rítmica son de un nivel muy avanzado. Sin embargo, quizás este sea uno de los discos en los que más destaca el contrabajo de Peacock, sus solos en “Scrapple from the Apple”  o en “You’ve Changed” se encuentran entre lo mejor que ha interpretado el contrabajista. Como colofón una versión de “Stella By Starlight”  grabada durante la prueba de sonido. Son 75 minutos de contrabajo, batería y piano con giros impredecibles y exquisitos, con una interacción del trío constante y rica en matices que tiene como resultado un disco más de esta serie de conciertos del 2001 del que “Yesterdays” es el último álbum extraído de la que es sin duda la época más productiva del jazzmen americano.

los temas de Yesterdays son:

Keith Jarret, Peacock y Jack DeJhonette

01. Strollin’ (8:12)
02. You Took Advantage Of Me (10:13)
03. Yesterdays (8:55)
04. Shaw’nuff (6:11)
05. You’ve Changed (7:55)
06. Scrapple From The Apple (9:02)
07. A Sleeping’ Bee (8:18)
08. Smoke Gets In Your Eyes (9:01)
09. Stella By Starlight (7:50)

The Tatum Group Masterpieces: Art Tatum, Lionel Hampton, Harry Edison, Buddy Rich, Red Callender, Barney Kessel

Legendaria carátula del disco

Arthur Tatum, conocido por Art Tatum (1909-1956), pianista Estadounidense y uno de los mejores músicos de jazz de todos los tiempos.  Tatum raramente abandonó las líneas melódicas originales de las canciones que tocaba, y prefería rearmonizarlas de forma innovadora, cambiando las progresiones de acordes asociadas a las melodías,  tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, en parte porque relativamente pocos músicos podían seguir su rápido ‘tempo’ y su avanzado vocabulario armónico. El mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo,  La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Tatum tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, o como mucho en trío o cuarteto, el disco que traigo aquí está grabado con un sexteto algo totalmente “extraño” en la carrera del pianista, Tatum disfrutaba con los solos de piano, donde daba rienda suelta a su estilo y creatividad, este sexteto para él tuvo que ser algo así como una big band, pero al contrario de sentirse incómodo en un contexto que al final por desacostumbrado debió resultarle estimulante, porque el resultado es este disco que fue un experimento que salió perfecto, el disco habla por sí mismo. Te das cuenta que cuando el pianista toca detrás de otros solistas, está conteniéndose para remodelar la estructura armónica de la pieza, juega un papel de acompañante y demuestra cuán bien  y cuanto se puede disfrutar porque Tatum podía hacer todo con un piano, excepto que sonara banal. Realizó una serie de grabaciones para Norman Granz en los cincuenta para el sello Verve, poco antes de su fallecimiento. De hecho murió tan solo un par meses después de grabar el disco con Webster. Estas grabaciones incluyeron tanto sesiones en solitario, como en pequeños grupos. En los años 70, Norman Granz recuperó los originales en su nuevo sello, Pablo, y las reeditó como dos cajas The Tatum Group Masterpieces y The Tatum Pablo Solo Masterpieces.

Necesitaría otro post para hablar del resto de miembros del sexteto, Lionel Hampton con el vibráfono, en el que en ocasiones Tatum le cede el papel de virtuoso. Harry Edison con una maravillosa trompeta con sordina que suena a ángeles, a veces evoca a su coetáneo Roy Eldridge. de Barney Kessel y su guitarra, poco tengo que decir, es sencillamente genial, Buddy Rich en un discreto y elegante papel en la batería y Red Callender con el contrabajo, estos cinco invitados que trabajan con Tatum conocen a la perfección su cometido.

Es un disco para disfrutar hasta la última nota,   para disfrutar de su estilo que es pirotécnico, exuberante, abundante, rápido, elegante y sobre todo académico, vamos del jazz que se enseña en las Escuelas de Música. No deja ni un segundo el espacio musical sin notas,  resulta increíble que alguien pueda tocar de esa forma tan veloz con ambas manos. Su forma de tocar el piano ha influido posteriormente en muchos pianistas como Bud Powell, Thelonious Monk, Oscar Peterson o Chick Corea. Sin duda, es una obra “Excelente”.

Ciego de un ojo, apenas veía con el otro las teclas que magnificamente tocaba